Une carrière artistique, c’est un ensemble de projets. Des productions, des expositions, des résidences ou encore des commandes. De ce fait, les projets auxquels vous allez participer vont conditionner la carrière que vous allez avoir et il est donc important que vous sachiez vous positionner sur les bons projets.

Mais qu’est-ce donc un bon projet ? Comment déterminer s’il s’agit d’un bon ou d’un mauvais projet ? Sur quels critères devez-vous baser pour savoir s’il est pertinent de vous positionner sur un projet ou non ?

Telles sont les questions auxquelles je réponds dans cet épisode.

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Nombreux-ses sont les artistes qui ont un médium de prédilection qu'ils/elles utilisent de manière récurrente — voire exclusive — pour réaliser leurs travaux. Très soucieux-ses du résultat formel et esthétique, ils/elles apprécient de recourir à un médium dont ils/elles maîtrisent bien la mise en œuvre.

Pourtant, en art, le choix du médium ne doit pas seulement dépendre de critères techniques et esthétiques mais il doit aussi et surtout être motivé par l'intention de l'artiste. Un-e artiste ne doit pas seulement recourir à un médium parce qu'il/elle le maîtrise bien, mais parce qu’il lui permet de transmettre au mieux son message, de retranscrire le plus efficacement possible sa vision d’artiste.

Alors, comment faire le choix de médium le plus pertinent ? Comment s'affranchir de l'envie de démontrer sa maîtrise technique et d'aboutir à un résultat avant tout esthétique ? Comment exploiter le plein potentiel d'un médium pour le mettre au service de sa démarche ?

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En tant qu'artiste plasticien•ne, vous allez inévitablement être confronté•e à la critique de votre travail. Institutionnalisée depuis le XVIIIe siècle en France, la critique d'art est considérée comme un maillon essentiel de l'écosystème de l'art contemporain et chaque artiste qui aspire à gravir les échelons de la reconnaissance artistique y est un jour soumis•e.

Mais si se confronter à la critique négative est un passage obligatoire dans une carrière artistique, cela n'en reste pas moins quelque chose de désagréable voire de difficile à traverser. Lorsque la critique est acerbe voire violente, elle peut devenir un obstacle au développement de votre travail et de votre carrière en raison de son fort impact émotionnel.

Alors, comment faire face aux critiques négatives sur son travail ? Comment ne pas se laisser submerger par celles-ci et les transformer en quelque chose de productif ?

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Expérimentation et cohérence artistiques sont tous deux des éléments fondamentaux pour les artistes que vous êtes, tant d'un point de vue créatif que professionnel. Par l'expérimentation, vous parvenez à explorer de nouvelles orientations artistiques, à alimenter votre processus créatif et à vous renouveler. Par la cohérence artistique, vous réussissez à conférer un caractère authentique à votre démarche et à vous créer une identité artistique singulière.

Pourtant, dans la pratique, expérimentation et cohérence artistiques peuvent rentrer en confrontation et vous freiner dans votre évolution artistique et professionnelle. Tiraillé•e entre ces deux besoins qui se révèlent parfois antinomiques, vous pouvez vous retrouver dans une impasse.

Comment pouvez-vous donc conjuguer expérimentation et cohérence artistiques ? Comment et pourquoi expérimenter sans perdre en cohérence artistique ?

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Depuis quelques années, de plus en plus d’artistes décident de rendre accessible leur art. En accord avec leurs valeurs sociales et idéologiques, l’accessibilité de l’art leur paraît est une solution efficace pour s’opposer à un marché de l’art qu’il juge trop élitiste et trop corrompu par l’argent.

Proposer un art accessible, c’est aussi un moyen pour eux d’adopter une stratégie commerciale qui leur paraît plus séduisante et plus sécurisante sur le plan financier. L’écosystème de l’art accessible étant en pleine expansion ces dernières années, les perspectives de carrière leur semblent en effet plus prometteuses et intéressantes que celles offertes par la marché de l’art contemporain.

Qu’en est-il réellement ? Est-ce que l’écosystème de l’art accessible est une alternative intéressante au marché de l’art contemporain pour l’artiste ? Est-ce qu’il est aussi avantageux pour ce dernier que ces principaux défenseurs ont l’air de l’affirmer ?

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Prix et salons d’art réservés aux jeunes artistes, consécration d’artistes âgés de moins de 30 ans, valorisation de la précocité du talent artistique… Les professionnel•le•s de l’art semblent accorder un intérêt tout particulier aux jeunes artistes.

Face à cet apparent jeunisme qui frappe le marché de l’art, l’idée selon laquelle un artiste ne pourrait plus prétendre à la consécration passé un certain âge s’est imposée. Ainsi, une fois les 40 ans atteints, l’artiste n’ayant pas réussi à percer serait condamné•e à ne jamais connaître le succès.

Mais que se passe-t-il dans la réalité ? L’âge d’un artiste conditionne-t-il réellement ses chances de réussite au sein du monde de l’art ? 40 ans est-il vraiment synonyme de date de péremption pour les artistes ?

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Encore aujourd’hui, l’idée selon laquelle l’art et le commerce ne sont pas conciliables perdure chez certains acteurs de l’écosystème artistique, et notamment chez certains artistes. Plus précisément, la commercialisation est souvent perçue comme une entrave à la liberté de création.

Pourtant, la professionnalisation même d’une activité artistique implique de trouver le juste équilibre entre création et commercialisation. Pour l’artiste déterminé•e à développer sa carrière artistique, c’est un véritable jeu d’équilibriste qui commence entre création, commercialisation et consécration.

Comment trouver l’équilibre entre création et commercialisation ? Quelles possibilités s’offrent à l’artiste qui désire concilier au mieux ces deux éléments ? Quelles actions de commercialisation doit-il mettre en place pour atteindre la consécration artistique ?

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Plusieurs études menées par des économistes et des sociologues tendent à le montrer : le cursus en école d’art apparaît toujours comme déterminant dans la construction et le développement d’une carrière artistique.

Pourtant, si leurs chances d’accéder à la consécration artistique paraissent moindres, beaucoup d’artistes autodidactes font le pari de se professionnaliser et de concrétiser leurs ambitions artistiques en dépit de l’absence d’une formation académique.

Est-ce qu’il faut nécessairement avoir fait une école d’art pour se hisser tout en haut du marché de l’art ? L’artiste autodidacte est-il condamné à passer à côté de la consécration artistique ou a-t-il des cartes à jouer ?

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