Sun Starved est un groupe de metalcore de la scène nordique de Yellowknife. Mené par Damon Benoit, il est né après une soirée emo rassemblant des musiciens locaux. Après avoir remporté le Mainstage Showdown, ils se sont taillé une place au festival Folk On The Rocks, tout en restant fidèles à leur style énergique.

Sun Starved est un groupe de metalcore de la scène nordique de Yellowknife. Mené par Damon Benoit, il est né après une soirée emo rassemblant des musiciens locaux. Après avoir remporté le Mainstage Showdown, ils se sont taillé une place au festival Folk On The Rocks, tout en restant fidèles à leur style énergique.

Cette année, le festival FOTR invite un artiste montréalais d’origine haïtienne, Waahli, à présenter sa musique. Mêlant français, anglais et créole-haïtien, il promet au public de Yellowknife une performance énergique et rassembleuse, entre danse, émotions et réflexion.

L’entrevue présente Justine Giles, compositrice-interprète originaire de Sudbury et basée à Calgary. Elle explique avoir vécu dans plusieurs villes au Canada pour trouver sa place dans l’industrie musicale, et dit aussi s’intéresser à l’éducation artistique et au mentorat. Elle revient sur ses débuts en musique, influencés par son père, musicien actif en tournée dans plusieurs groupes. Elle raconte avoir grandi dans un environnement où le théâtre, les arts et le chant étaient valorisés, et précise qu’elle écrivait déjà de la poésie avant de commencer à écrire des chansons à l’adolescence. Justine décrit sa musique comme difficile à classer, mais marquée par des influences folk, folk-pop et adulte contemporain. Elle dit accorder une grande importance aux paroles et à la narration, tout en ayant exploré d’autres couleurs comme le country et le blues. Elle souligne qu’en solo, une chanson forte et une histoire forte restent centrales. Après la diffusion d’une chanson, elle parle des thèmes récurrents dans son écriture, notamment l’appartenance, le déracinement et la recherche de communauté. Elle évoque aussi ses anciennes chansons sur les peines d’amour, la perte et le deuil, puis explique que ses textes abordent désormais davantage la relation à soi, l’image corporelle et les messages transmis à un public composé en partie de jeunes femmes. Elle dit que l’écriture est devenue pour elle une forme de thérapie et un espace sûr pour exprimer ce qu’elle a du mal à dire autrement. Selon elle, les auditeurs se reconnaissent ensuite dans ses chansons et partagent leurs propres histoires en spectacle. Enfin, elle parle de son rôle d’artiste en résidence et mentor pour Folk on the Rocks en 2025-2026. Elle décrit cette expérience comme importante, à un moment où elle cherchait un nouveau défi et une nouvelle façon de créer des liens. Elle raconte que son arrivée à Yellowknife lui a rappelé Sudbury et lui a donné un fort sentiment d’appartenance. Elle mentionne aussi son séjour à la fin de 2025, son premier aperçu des aurores boréales et le travail réalisé avec des artistes locaux.

Jonnie Melancholy, de son vrai nom John Macaulay, est un musicien originaire de l'île de Wight au Royaume-Uni. Lors de son interview avec Radio Taïga, il partage son parcours musical et le processus qui l'a conduit à adopter son nom de scène. Selon lui, il a longtemps cherché un nom unique qui refléterait son style artistique et se distinguerait de ses pairs. C'est lors d'un événement de musique emo, où il se produisait pour le festival Steadily Deadly, qu'un ami lui suggère le nom de Johnny Melancholy. Cette appellation, qui évoque un style poétique et mélancolique, correspond parfaitement à l'essence de sa musique, mêlant des thématiques de tristesse et de nostalgie. Jonnie évoque son arrivée à Yellowknife en 2022 et l'impact que la scène musicale locale a eu sur son écriture. Avant de s'établir dans les Territoires du Nord-Ouest, il avait déjà écrit quelques chansons, mais il admet ne pas avoir trouvé sa véritable voix. La communauté musicale de Yellowknife, composée d'autres artistes avec qui il a pu collaborer, a été une source d'inspiration majeure et a joué un rôle essentiel dans son développement artistique. Il souligne l'importance de cet environnement collaboratif pour sa créativité et sa croissance en tant que musicien. Lors de l'interview, Jonnie révèle que la musique est devenue un moyen pour lui d’exprimer ses émotions et de traiter ses expériences personnelles, notamment les thèmes de l'amour, de la perte et du chagrin. Au fil du temps, alors que ces défis personnels s'estompaient, sa réflexion s'est élargie pour aborder des sujets plus complexes de la vie. Il a récemment écrit une chanson qui questionne les regrets et l'idée de pouvoir revenir en arrière pour changer ses choix. Cette introspection l'a amené à comprendre qu'il est essentiel de laisser derrière soi les inquiétudes passées pour se concentrer sur le présent et apprendre à s'aimer soi-même. Il partage également les secrets de son processus d'écriture, décrivant un cheminement brut et authentique. Jonnie explique qu'il lui a fallu du temps pour comprendre comment composer une musique efficace. Ce n'est qu'après des échanges avec d'autres musiciens qu'il a réellement réussi à se lancer. En utilisant des riffs et des sons qui lui plaisent, il laisse ses émotions guider le résultat final, procédant à des ajustements au fur et à mesure. Son morceau "Time to Leave", qu'il a récemment publié sur sa chaîne YouTube, illustre ce processus et ses émotions. Les inspirations musicales de Johnny sont variées, allant d'artistes comme Ben Howard et Seth Lakeman à Paolo Nutini. Il mélange ces influences avec son amour pour le pop-punk, souhaitant intégrer des éléments acoustiques dans sa musique tout en cette légèreté. Il aspire à créer des morceaux qui capturent l'essence de la lumière et de l'ombre, évoquant des sentiments profonds chez les auditeurs. En conclusion de l'interview, Jonnie Melancholy souligne son souhait de continuer à évoluer en tant qu'artiste et d'explorer de nouvelles dimensions de sa créativité musicale, tout en se souciant de la connexion émotionnelle qu'il établit avec son public.

Carmen Braden, une musicienne originaire de Yellowknife, est l'invitée de l'émission "La Longe Actualité musicale au territoire du Nord-Ouest" sur Radio Taïga. Dans cette entrevue, elle partage son parcours artistique, ses influences musicales et son processus créatif. Avec plus de quinze ans d'expérience en tant que musicienne en résidence, Carmen se décrit comme une compositrice traversant divers genres, notamment la musique classique et le folk, tout en composant pour des performances en direct. Carmen évoque les artistes qui ont façonné son identité musicale, notamment des figures emblématiques canadiennes telles que Sarah McLachlan et Alanis Morissette, ainsi que des auteurs-compositeurs comme Joni Mitchell et Leonard Cohen. Ces influences l'ont guidée vers une écriture de chansons riche en émotion et en narration. Elle explique également comment la musique classique, à travers des compositeurs comme Debussy, a élargi sa compréhension de la musique et lui a offert des inspirations écologiques, reflétant son environnement. Au sujet de sa musique, Carmen nous emmène dans de nouveaux univers émotionnels. Elle parle de la manière dont sa vie familiale et ses expériences quotidiennes avec ses enfants l'inspirent à créer. Cette dimension de liberté et de créativité débridée se retrouve dans ses compositions, qui mêlent joie et réflexions plus sombres. Son dernier album, "A Hard Light", produit par Marc Adam, marque le fruit d'une démarche approfondie où elle aborde des thèmes comme la parentalité et les réflexions sur le passage à la quarantaine. Carmen détaille également la genèse de cet album, qui s'inscrit dans une continuité avec son précédent travail, écrit durant la pandémie. Elle a exploité des idées de son troisième album pour les approfondir, intégrant des sonorités plus riches et des éléments narratifs plus complexes. Les chansons évoquent des luttes personnelles et des moments de connexion, se saisissant ainsi des défis et des joies inhérents à la vie familiale. En outre, Carmen évoque l'influence de vivre dans le Nord canadien sur sa musicalité. Elle souligne la précieuse communauté artistique qui soutient son travail, lui permettant de poursuivre sa carrière musicale. Carmen parle également de son intérêt pour l'écologie sonore, une notion qui lui a permis d'apprécier la richesse subtile de son environnement, en soulignant l'importance d'écouter les nuances des sons qui l'entourent, comme ceux des lacs gelés ou de la nature environnante. Enfin, l'interview conclut sur la manière dont Carmen transpose ces concepts acoustiques dans sa musique. Elle se projette vers l'avenir avec une anticipation de nouvelles découvertes sonores à intégrer dans son art. L'émission promeut également son travail et encourage les auditeurs à explorer sa musique sur diverses plateformes de streaming et à découvrir sa chaîne YouTube, où elle propose des vidéoclips captivants et innovants, témoignant de son engagement à repousser les limites de la création musicale.

L'entrevue avec Eli Camilo, trompettiste et chanteur principal du groupe Dumaï Dunaï, explore les origines et la dynamique créative de ce collectif musical basé à Montréal. Composé de membres originaires d'Ukraine et de Bulgarie, Dumaï Dunaï fusionne des styles musicaux variés, notamment la musique slavique, le dub et le punk, tout en intégrant des éléments traditionnels de l'Europe de l'Est avec une touche moderne. Elie remonte à l'année 2016 pour expliquer comment l'idée du groupe a germé en lui, et comment, après avoir collaboré avec de nombreux musiciens montréalais au fil des ans, il a finalement réussi à rassembler les talents nécessaires pour donner vie à son projet. Le groupe se compose de sept artistes aux parcours diversifiés qui représentent un véritable carrefour culturel. Eli évoque les disparités dans le processus créatif entre la musique folklorique d'Europe de l'Est, qui repose souvent sur un jeu collectif intuitif, et les méthodes plus structurées et intellectuelles observées en Amérique du Nord. Cette rencontre de cultures et de pratiques musicales engendre un enrichissement mutuel, donnant naissance à une musique qui transcende les frontières tout en honorant les traditions de chacun. Elie souligne que cette diversité influence fortement le son et l'approche artistique du groupe. Montréal, avec sa richesse culturelle et sa scène musicale vibrante, est au cœur de l'expérience de Dumaï Dunaï. Selon Elie, la ville a façonné leur identité artistique, leur permettant de s'immerger dans divers styles et genres musicaux. Il partage son amour pour l'esprit indépendant qui règne à Montréal, où les artistes prennent l'initiative de créer leur propre espace pour la musique. Cet environnement stimule la créativité et encourage l'inventivité, ce qui est essentiel pour le groupe dans son ensemble. La discussion se tourne ensuite vers l'importance des traditions musicales dans le monde contemporain. Elie exprime sa conviction que reconnaître d’où l'on vient est crucial, même dans un monde de plus en plus globalisé. Selon lui, les traditions ne doivent pas être mises de côté ou oubliées, mais plutôt adaptées et évoluées pour coexister avec les nouvelles technologies et les sons modernes. En mélangeant des éléments folkloriques avec des influences contemporaines, Dumaï Dunaï cherche à préserver l'héritage musical tout en le modernisant, permettant ainsi à chacune de leurs compositions de raconter une histoire à la fois ancienne et actuelle. Enfin, l’entrevue prend fin avec l’écoute d'une chanson tirée de leur album "Sometime Between Now and Never", sorti pour 2024. Le titre "Vesnianochka" met en avant la qualité musicale du groupe et constitue une invitation à découvrir leur univers. Eli mentionne également qu’ils seront en tournée à travers le Canada et en Europe cet été, et dévoile leurs projets pour un deuxième album à venir cet automne, ce qui suscite encore plus d'enthousiasme pour les fans de leur musique. L'entretien révèle donc une vision passionnante et constructive du processus artistique de Dumaï Dunaï, tout en laissant entrevoir un avenir prometteur pour le groupe.

Dans cet épisode de La Longe, Jeremie Albino, auteur-compositeur-interprète originaire de Toronto, partage son parcours musical et ses réflexions sur l'art de performer. Son héritage multiculturel, avec un père philippin et une mère québécoise, a façonné son approche unique à la musique. Il révèle que ses débuts en tant que musicien ont été marqués par des performances de rue, une manière qui lui a permis de surmonter sa timidité en se produisant devant des inconnus plutôt que devant sa famille et ses amis. Ces expériences de "busking" lui ont permis de créer une connexion magique et spontanée avec un public varié, un élément qu'il recherche encore dans ses concerts plus importants. Jeremie explique également le mélange de styles qui caractérise sa musique, notamment le L&B, le country et la soul. Influencé dès son plus jeune âge par des artistes tels que Neil Young et James Taylor, ainsi que par la musique Motown, il a su intégrer ces influences dans son propre son. Il exprime son affection pour la musique traditionnelle et "old-time", affirmant que différents genres sont interconnectés à travers leurs racines folk et blues. Cette compréhension de la musique lui permet d’explorer une palette sonore riche et diversifiée dans ses compositions. En parlant de ses performances, Jeremie décrit comment il se prépare mentalement et physiquement avant chaque spectacle. Il souligne l’importance de conserver son énergie, de rester calme et de se préparer adéquatement, surtout lors des tournées où l'énergie est constamment sollicitée. Sa générosité sur scène est palpable; il ressent une forte responsabilité d’engager le public et de partager des moments émotionnels à travers sa musique. Avec quatre albums studio à son actif, Jeremie partage les chansons qui lui sont chères, notamment "Early Morn", une pièce particulièrement intense qu'il interprète avec une profonde émotion chaque nuit, au point d'être parfois submergé par l'émotion. Cet aspect de sa musique démontre sa vulnérabilité et sa sincérité, des qualités essentielles qui résonnent avec son public. Durant l’épisode, il se remémore également des concerts mémorables, notamment un spectacle marquant dans sa ville natale à Toronto, qui fut une étape importante de sa carrière. Jeremie évoque l'importance de telles performances où il retrouve les personnes qui l’ont soutenu depuis le début de son parcours musical. Les moments de joie et de partage vécus lors de ces concerts renforcent son amour pour la musique et son engagement envers son art. Enfin, il parle des défis inhérents à la vie de musicien sur la route, des pannes de son véhicule aux imprévus de la tournée. Chaque expérience, qu'elle soit positive ou négative, contribue à sa croissance personnelle et artistique. Cette introspection lui permet d'apprécier davantage son rêve devenu réalité : parcourir le monde pour partager sa musique. Suivant cet esprit, il encourage les auditeurs à découvrir son travail disponible sur toutes les plateformes d'écoute, tout en exprimant sa gratitude pour la possibilité de vivre de sa passion.